Mario Giacomelli (1925-2000)

Mario Giacomelli was born in Senigallia on the 1st of August 1925. His father died when he was nine years old, and his mother, a laundress at the hospice in Senigallia, worked hard to provide for her three small children in his absence. Mario was the eldest. At the age of thirteen he began an apprenticeship at the Giunchedi Typography, where he remained until the outbreak of the war. He worked on construction projects to rebuild Senigallia following its wartime bombardment, and then returned to the typography, this time as an employee. In 1950, he decided to open his own typography. He was able to take this plunge thanks to the generosity of one of the elderly residents at the hospice where his mother worked, who lent him the money.
Giacomelli established his Tipografia Marchigiana at 5, Via Mastai. Over the years, it would become a “pilgrimage” destination for artists, critics, scholars and admirers, from all over the world.

In 1953, Giacomelli bought a Bencini Comet S (CMF) 1950 model, with a retractable achromatic 1:11 lens, 127 film, 1/50+B shutter speed and flash sync. He took his first photographs on the shore in Senigallia.

Amongst these very first photographs was L’approdo (The landing place), an image of a shoe washed up on the tideline, which Giacomelli used to enter various amateur photographic competitions. Giacomelli realised at once that he wanted to express himself via the medium of photography. He began photographing in earnest, making portraits of family members, colleagues and friends, and arranging his subjects in iconographic and theatrical poses. Giacomelli’s famous photograph, Mia Madre (My Mother) (a portrait of his mother holding a spade)is amongst these early works. During this period, Giacomelli visited Torcoletti’s photography workshop. Torcoletti recognised Giacomelli’s extraordinary expressive potential and introduced him to Giuseppe Cavalli, the charismatic artist and critic. Cavalli encouraged Giacomelli to reflect more broadly on photography and art and introduced him to circles of contemporary photographers, such as the groups La Bussola and La Gondola, who were engaging in key discussions about the role of photography in art and in society. With guidance from Ferruccio Ferroni and Cavalli, Giacomelli explored different photographic techniques until he found his own expressive conviction. Misa, a group of local photographers, was formed in 1954. Giacomelli’s path to fame opened up in 1955 when he won the prestigious National Competition in Castelfranco Veneto. Paolo Monti, who sat on the jury for the prize, declared Giacomelli ‘photography’s new man.’

Between 1955-60, Giacomelli photographed a series of still lifes. These black and white photographs were set up in his garden and composed using objects he found about the house: cloth, fruit, bottles, and the like.
Between 1956-60, Giacomelli created a series of Nudes (men and women from his immediate circle). The photographs were not part of an aestheticising meditation on the female body, as Giacomelli explains: ‘the idea of the nude first came to me in the hospice […] When I printed this photo [of the man standing and the woman in the background, both turned away from the camera], I reduced the developing time, leaving it for a shorter period in the acid, which gave it a darker effect. What resulted is another kind of poetry.’ In the 1990s, Giacomelli expanded the series, adding his own nude self-portraits.

Giacomelli soon moved away from the stylistic teachings of Cavalli: he believed Cavalli’s grey tones were insufficient in capturing the intensity and tragedy of life, which he found he was able to convey using stark blacks and whites – almost unsettlingly stark in this initial period. It was at this time that Giacomelli began to explore the potential of the hospice setting and photograph his landscapes. He pursued these subjects for decades to come. Even after having made an international name for himself, Giacomelli continued to enter amateur photography competitions and received numerous prizes and acknowledgements. 

In 1955, Giacomelli’s mythical camera arrived on the scene: a Kobell Press with a Voigtlander colour-heliar 1:3,5/105. This camera never left his side, and he personalised it through a series of adjustments. That same year, Giuseppe Cavalli introduced Giacomelli to Luigi Crocenzi. In 1956, Pietro Donzelli wrote to Giacomelli urging him to structure his photographic production in the form of series and stories. Crocenzi’s advice was the same. Giacomelli’s work from this period is “documentary-esque”: he created the series Lourdes (1957), Scanno (1957 and 1959), Puglia (1958, returning in 1982), Zingari (Gypsies) (1958), Loreto (1959, returning in 1995), Un uomo, una donna, un amore (One man, one woman, one love) (1960/61), Mattatoio(Slaughterhouse) (1960), Pretini (Priests) (1961/63), La buona terra (The good earth) (1964/66). Meanwhile, Romeo Martinez (one of the 20th century’s leading figures in the art and publishing sector) helped Giacomelli to begin publishing his work in specialised photography journals.

Giacomelli continued to explore the landscape of Le Marche. He began to pay local farmers to use their tractors to furrow patterns and signs in the earth. Giacomelli acted directly on the land prior to photographing it, and then accentuated these markings through his printing process (anticipating the American Land Art movement of the 1960s/70s). Through his explorations of form, Giacomelli saw photography as a means of entering into acutely close contact with reality, allowing it to gain new meaning. This philosophy inspired the series Motivo suggerito dal taglio dell’albero (Motif suggested by the cut of a tree) (1966/68), and similarly Favola, verso possibili significati interiori (A tale, towards possible inner meanings) (1983/84). Giacomelli moved steadily further into abstraction.

In 1961, Elio Vittorini wrote to Giacomelli, via Luigi Crocenzi, asking him if he could use his image Gente del sud (People of the South) (from the Puglia series)for the cover of the English edition of his book Conversazione in Sicilia (Conversation in Sicily). Two years later, Piero Racanicchi, who, together with Turroni, was one of the first critics to champion Giacomelli’s work, commended his photographs to John Szarkowski, the director of the Department of Photography at MoMA, New York. In 1964, Szarkowski purchased the Scanno series and a selection of images from the series Pretini (Priests).

Giacomelli created the series Verrà la morte e avrà i tuoi occhi (Death will come and will have your eyes) in 1966/68. Over the years, he expanded the series with photographs taken between 1953 and 1983, across different visits to the hospice. This “series” was particularly important to Giacomelli because it allowed him to engage with ideas about death, loneliness, life, longing, and the precipice of life’s disintegration. The series also maintained Giacomelli’s connection with his mother, Libera, who had worked at the hospice as a laundress in order to be able to support her three young children after the premature death of her husband. The series encapsulates Giacomelli’s meditations on time, death, and life.

This practice of compiling a series using photographs from various other series is the crux of Giacomelli’s approach: he elapsed the distance between past and present to create a photographic oeuvre which exists in a continued state of metamorphosis. Echoes reverberate across it. Patterns of destruction and reconstruction play out. It is a living organism.

In 1954/56 Giacomelli created the series Vita d’ospizio(Hospice life). In 1966-68 to make Verrà la morte e avrà i tuoi occhi (Death will come and will have your eyes). In 1981 Ospizio (Hospice), Non fatemi domande (Don’t ask me any questions) and La zia di Franco (Franco’s aunt). In ’85/87 he composed the series Ninna nanna (Lullaby), inspired by Leonie Adams’ poem. And in 1993 E io ti vidi fanciulla (And I saw you as a girl).

From the 1960s to the mid-1990s, Giacomelli created a series of colour photographs (Landscapes, Still lifes, Abstractions, At the quay). In the context of his large oeuvre of black and white work, these experimental colour photographs are few and far between.

Influenced by Crocenzi, in 1967, Giacomelli set about creating a photographic series structured as a story. He began to explore the poem Caroline Bransonfrom Edgar Lee Masters’ Spoon River Anthology and asked Crocenzi for a plot outline to follow. The series was meant to be broadcast on the television, but Giacomelli found he could not deliver the series in the style Crocenzi wanted it. He completed the series in 1973, having reworked it. It is with this series that Giacomelli began to make use of superimposition, a technique to which he returned time and again.

In 1966, Giacomelli met Alberto Burri and they struck up a close friendship. Giacomelli dedicated many of his landscape photographs to Burri. The works recall the mood of the Informal art movement and its visual poetics. The idea of the Informal in art fascinated Giacomelli, so much so that between the 1950s and 1970s he made hundreds of paintings, and in the 1960s he joined a group of artists in Senigallia to explore the relationship between art and abstraction. Painters and sculptors like Marinelli, Ciacci, Donati, Gatti, Genovali, Bonazza, Mandolini, Moroni, and Sabbatini gathered together in Via Arsilli, at Mario Angelini’s framing workshop.

In reality, all of Giacomelli’s practice is, from both a conceptual and methodological perspective, closely linked to the idea of the Informal in art. The first shared notion is that of considering every single element, every individual photograph, not as a finished product, enclosed by ideas of perfection and finitude, but as part of a whole (Giacomelli’s oeuvre). This whole exists in a state of flux, and derives its meaning, shape and vitality, from the interrelation of single elements of which it consists. Giacomelli’s oeuvre is a complex entity; it is an organism which feeds off itself. Giacomelli continually revisited his photographic series to set them in conversation: he established iconographic associations (with symbolic echoes which reverberate across the years), superimposed new photographs over old ones, moved different print variations from one series to another, and created new series using old photographs he had set aside. Per poesie (For poems) (1960s-1990s) isthis reserve of images: they are photographs that Giacomelli accumulated and archived specifically for this purpose. In 1978, Giacomelli’s landscape photographs formed part of the Venice Biennale. In 1980, Arturo Carlo Quintavalle wrote a monograph on Giacomelli (Mario Giacomelli, Feltrinelli, Milan, 1980) and purchased a number of his photographs for the CSAC centre in Parma. Giacomelli launched himself into abstraction with his series Favola, verso possibili significati interiori (A tale, towards possible inner meanings) (1983-84). It was at this time that Giacomelli met the poet Francesco Permunian, with whom he collaborated to create the series Il teatro della neve (The theatre of snow) (1984-86) and Ho la testa piena mamma (My head is full, Mamma) (1985-87). From this moment on, Giacomelli created photographic series inspired by poetry: he created Il canto dei nuovi emigranti (The song of the new emigrants) (Franco Costabile) (1984-85), Felicità raggiunta si cammina (Happiness is reached, walking) (Eugenio Montale) (1986-92), L’infinito (Infinity) (Giacomo Leopardi) (1986-88), Passato (Past) (Vincenzo Cardarelli) (1986-90), A Silvia (Giacomo Leopardi) (1987-88) (a series which began with under Crocenzi’s guidance in 1964, and then resumed in 1988 with a decidedly more conscious approach to the relationship between poetic text and photographic images), Io sono nessuno (I am nobody) (Emily Dickinson) (1992-94), La notte lava la mente (The night washes the mind) (Mario Luzi) (1994-95), Bando (Call) (Sergio Corazzini) (1997-99), La mia vita intera (My whole life) (Jorge Luis Borges) (1998-2000). He also changed the title of several series: Verrà la morte e avrà i tuoi occhi (Death will come and will have your eyes) (Cesare Pavese) (1954-83), Ninna Nanna (Lullaby) (Leonie Adams) (1985-87), and Io non ho mani che mi accarezzino il volto (There are no hands to caress my face) (Padre David Maria Turoldo). Between 1983-87, Giacomelli made Il mare dei miei racconti (The sea of my memories), which consists of aerial photographs of the Adriatic coast near Senigallia. Throughout his life, Giacomelli always returned to photograph the sea and the beach. It was, after all, on the shoreline that he took his very first photograph, L’approdo (The landing place). Giacomelli’s practice came full circle: his last series La domenica prima (The Sunday before) was taken on the beach. So too were the photographs taken throughout the summers of the 1960s, Il mare (The sea) (1960s-90s), and all the photographs taken between the 1970s and 1990s, which Giacomelli used to compile Le mie Marche (My Marche) (taken at Marina di Montemarciano), Al molo (At the quay) (in Senigallia), Marotta il mare (The sea at Marotta), Il mare di Fano (The sea at Fano), Storie di mare (Stories of the sea) (taken on the beach in Senigallia), La Rotonda (The terrace) (taken on the beachfront in Senigallia). In 1986, Giacomelli’s mother died. The loss caused him great trauma, and it signalled a shift in his photographic practice towards a more explicitly autobiographical approach. By this stage, he had gained international renown and his work was being collected by the most prestigious museums. Yet his practice was becoming increasingly introspective and intimate. He plumbed the depth of his being and fixated on the Marchigian landscape as a means of refinding himself. The series Vita del pittore Bastari (1992-93), Autoritratti (Self-portraits) (1980s-90s), the poetic “abstractions” of Bando (1997-99), 31 Dicembre (31st December) (1997) are scenarios constructed by Giacomelli. The photographs are like frames from a film reel spanning Giacomelli’s whole life. In this latter period, Giacomelli returned time and again to specific locations dotted about Senigallia’s surrounding hills. Giacomelli’s photographs of these places are reference points which map out an intimate journey through his interiority. Together, these fragments constitute Giacomelli’s belief that photography can give life to the experiences which exist beyond the alienation of daily life, and enter us into a purely phantasmagoric realm of being. It is here that Giacomelli sought to find himself. This approach gave rise to a set of intimate and profoundly autobiographical photographs. The Mario Giacomelli Archive conserves: Bucci, Otello, Cremonini, Polverari, Ferri (Per poesie) (the titles originate from the names of the farmhouses and regions where he set up the scenes to photograph). I ricordi di un ragazzo del ‘25 (The memories of a boy from ‘25) (1999) similarly emerged from this introspective mood, becoming Questo ricordo lo vorrei raccontare (I’d like to tell you about this memory) in 2000. (the title expresses Giacomelli’s vision of photography as a means of triumphing over death). As did Ritorno (Return) (1999/2000) and Così come la morte (Just like death) (1999), a series inspired by Giorgio Caproni’s poem. In the 1990s, Giacomelli’s restless desire to find poetry in life, and for life, pushed him to venture into abstract space with Territorio del linguaggio (Territory of language) (1994), Astratte (Abstractions) (1990s), Polverari, and Bando(1997-99).

It is interesting to trace the course of Giacomelli’s existential journeying across his photographic practice. Life and art fuse in his vision of photography as a means of getting under the skin of reality, and a means of acknowledging that it is impossible to establish a clear sense of distance between the world and the subject looking at it.Mario Giacomelli died on the 25th of November 2000, after a year of illness. He worked right up to the last moment to create the series Questo ricordo lo vorrei raccontare (I’d like to tell you about this memory) (2000) and La domenica prima (The Sunday before) (2000).

Mario Giacomelli nacque a Senigallia il 1° agosto 1925. Suo padre morì quando aveva nove anni, e sua madre, lavandaia presso l’ospizio di Senigallia, lavorava duramente per mantenere i suoi tre piccoli figli in sua assenza. Mario era il primogenito. All’età di tredici anni iniziò un apprendistato presso la Tipografia Giunchedi, dove rimase fino allo scoppio della guerra. Lavorò a progetti di ricostruzione di Senigallia dopo i bombardamenti bellici, per poi tornare alla tipografia, questa volta come dipendente. Nel 1950 decise di aprire una propria tipografia. Poté fare questo passo grazie alla generosità di uno degli anziani residenti nell’ospizio dove lavorava sua madre, che gli prestò il denaro.
Giacomelli fondò la sua Tipografia Marchigiana in via Mastai 5. Nel corso degli anni, essa divenne una meta di “pellegrinaggio” per artisti, critici, studiosi e ammiratori da tutto il mondo.

Nel 1953 Giacomelli acquistò una Bencini Comet S (CMF) modello 1950, con obiettivo acromatico retrattile 1:11, pellicola 127, tempi di scatto 1/50+B e sincronizzazione flash. Scattò le sue prime fotografie sulla riva a Senigallia.

Tra queste prime fotografie vi fu L’approdo, l’immagine di una scarpa spiaggiata sulla linea di marea, che Giacomelli utilizzò per partecipare a vari concorsi fotografici amatoriali. Capì subito di voler esprimersi attraverso la fotografia. Iniziò a fotografare con impegno, realizzando ritratti di familiari, colleghi e amici, disponendo i soggetti in pose iconografiche e teatrali. La celebre fotografia di Giacomelli, Mia Madre (ritratto della madre con una vanga), fa parte di questi primi lavori. In questo periodo Giacomelli visitò il laboratorio fotografico di Torcoletti. Torcoletti riconobbe il potenziale espressivo straordinario di Giacomelli e lo presentò a Giuseppe Cavalli, artista e critico carismatico. Cavalli incoraggiò Giacomelli a riflettere più ampiamente sulla fotografia e sull’arte e lo introdusse a circoli di fotografi contemporanei, come i gruppi La Bussola e La Gondola, impegnati in discussioni fondamentali sul ruolo della fotografia nell’arte e nella società. Con la guida di Ferruccio Ferroni e Cavalli, Giacomelli esplorò diverse tecniche fotografiche fino a trovare la propria convinzione espressiva. Nel 1954 fu fondato Misa, un gruppo di fotografi locali. La carriera di Giacomelli decollò nel 1955 quando vinse il prestigioso Concorso Nazionale a Castelfranco Veneto. Paolo Monti, membro della giuria, lo definì il ‘nuovo uomo della fotografia.’

Tra il 1955 e il 1960, Giacomelli fotografò una serie di nature morte. Queste fotografie in bianco e nero furono allestite nel suo giardino e composte con oggetti trovati in casa: stoffe, frutta, bottiglie e simili.
Tra il 1956 e il 1960, Giacomelli realizzò una serie di Nudi (uomini e donne della sua cerchia più stretta). Le fotografie non facevano parte di una riflessione estetizzante sul corpo femminile, come spiega Giacomelli: «L’idea del nudo mi è venuta per la prima volta in ospedale […] Quando ho stampato questa foto [dell’uomo in piedi e della donna sullo sfondo, entrambi di spalle alla macchina fotografica], ho ridotto il tempo di sviluppo, lasciandola per un periodo più breve nell’acido, il che le ha conferito un effetto più scuro. Il risultato è un altro tipo di poesia». Negli anni ’90, Giacomelli ha ampliato la serie, aggiungendo i propri autoritratti di nudo.

Giacomelli si allontanò presto dagli insegnamenti stilistici di Cavalli: riteneva che i toni di grigio di Cavalli fossero insufficienti per catturare l’intensità e la tragedia della vita, che invece riusciva a esprimere con contrasti forti di bianco e nero — quasi disturbanti in questo primo periodo. Fu allora che iniziò a esplorare il potenziale dell’ambientazione dell’ospizio e a fotografare i suoi paesaggi. Continuò a occuparsi di questi soggetti per decenni. Anche dopo aver acquisito fama internazionale, Giacomelli continuò a partecipare a concorsi amatoriali, ricevendo numerosi premi e riconoscimenti.

Nel 1955 fece la sua comparsa la macchina fotografica mitica di Giacomelli: una Kobell Press con obiettivo Voigtlander colour-heliar 1:3,5/105. Questa macchina non lo lasciò mai, e la personalizzò con una serie di modifiche. Nello stesso anno Giuseppe Cavalli lo presentò a Luigi Crocenzi. Nel 1956 Pietro Donzelli scrisse a Giacomelli esortandolo a strutturare la sua produzione fotografica in forme di serie e racconti. Lo stesso consigliò Crocenzi. Il lavoro di Giacomelli di questo periodo è “quasi documentaristico”: creò le serie Lourdes (1957), Scanno (1957 e 1959), Puglia (1958, con un ritorno nel 1982), Zingari (1958), Loreto (1959, con un ritorno nel 1995), Un uomo, una donna, un amore (1960/61), Mattatoio (1960), Pretini (1961/63), La buona terra (1964/66). Nel frattempo, Romeo Martinez, figura di spicco nel settore artistico-editoriale del XX secolo, aiutò Giacomelli a pubblicare i suoi lavori su riviste specializzate di fotografia.

Giacomelli continuò a esplorare il paesaggio delle Marche. Iniziò a pagare contadini locali perché usassero i loro trattori per tracciare motivi e segni nella terra. Agì direttamente sulla terra prima di fotografarla e poi accentuò queste tracce nel processo di stampa (anticipando il movimento americano della Land Art degli anni ’60/’70). Attraverso l’esplorazione della forma, Giacomelli vedeva la fotografia come mezzo per entrare in contatto stretto e intenso con la realtà, permettendole di acquisire nuovi significati. Questa filosofia ispirò la serie Motivo suggerito dal taglio dell’albero (1966/68) e similmente Favola, verso possibili significati interiori (1983/84). Giacomelli si spinse progressivamente verso l’astrazione.

Nel 1961 Elio Vittorini scrisse a Giacomelli, tramite Luigi Crocenzi, chiedendogli il permesso di usare la sua immagine Gente del sud (dalla serie Puglia) per la copertina dell’edizione inglese del suo libro Conversazione in Sicilia. Due anni dopo, Piero Racanicchi, uno dei primi critici a sostenere il lavoro di Giacomelli, ne raccomandò le fotografie a John Szarkowski, direttore del Dipartimento di Fotografia del MoMA di New York. Nel 1964 Szarkowski acquistò la serie Scanno e una selezione di immagini dalla serie Pretini.

Giacomelli creò la serie Verrà la morte e avrà i tuoi occhi (1966/68). Nel corso degli anni la ampliò con fotografie scattate tra il 1953 e il 1983, in diverse visite all’ospizio. Questa “serie” era particolarmente importante per Giacomelli perché gli consentiva di confrontarsi con idee sulla morte, la solitudine, la vita, il desiderio e il precipizio della disintegrazione esistenziale. La serie mantenne anche il legame con sua madre Libera, che aveva lavorato all’ospizio come lavandaia per sostenere i tre figli dopo la morte prematura del marito. La serie racchiudeva le meditazioni di Giacomelli sul tempo, la morte e la vita.

Questa pratica di compilare una serie usando fotografie provenienti da altre serie è il fulcro dell’approccio di Giacomelli: annullava la distanza tra passato e presente per creare un’opera fotografica in continuo stato di metamorfosi. Eco e risonanze si propagano in essa. Si giocano motivi di distruzione e ricostruzione. È un organismo vivente.

Nel 1954/56 Giacomelli realizzò la serie Vita d’ospizio (Hospice life). Tra il 1966 e il 1968 compose Verrà la morte e avrà i tuoi occhi (Death will come and will have your eyes). Nel 1981 produsse Ospizio (Hospice), Non fatemi domande (Don’t ask me any questions) e La zia di Franco (Franco’s aunt). Tra il 1985 e il 1987 compose la serie Ninna nanna (Lullaby), ispirata alla poesia di Leonie Adams. Nel 1993 realizzò E io ti vidi fanciulla (And I saw you as a girl).

Dagli anni Sessanta fino alla metà degli anni Novanta, Giacomelli creò una serie di fotografie a colori (Paesaggi, Nature morte, Astrazioni, Al molo). Nel contesto della sua vasta produzione in bianco e nero, queste fotografie a colori sperimentali sono rare e sporadiche.

Influenzato da Crocenzi, nel 1967 Giacomelli iniziò a creare una serie fotografica strutturata come una narrazione. Cominciò a esplorare la poesia Caroline Branson tratta dall’Antologia di Spoon River di Edgar Lee Masters, chiedendo a Crocenzi una traccia narrativa da seguire. La serie era destinata alla trasmissione televisiva, ma Giacomelli si rese conto di non riuscire a realizzarla nello stile voluto da Crocenzi. Completò la serie nel 1973, dopo averla rielaborata. Con questa serie, Giacomelli iniziò a fare uso della tecnica della sovrapposizione, a cui tornò più volte nel tempo.

Nel 1966, Giacomelli conobbe Alberto Burri e nacque un’amicizia profonda. Giacomelli dedicò molte delle sue fotografie di paesaggio a Burri. Le opere richiamano l’atmosfera del movimento dell’arte informale e la sua poetica visiva. L’idea dell’Informale nell’arte affascinava Giacomelli a tal punto che, tra gli anni Cinquanta e Settanta, realizzò centinaia di dipinti, e negli anni Sessanta si unì a un gruppo di artisti di Senigallia per esplorare il rapporto tra arte e astrazione. Pittori e scultori come Marinelli, Ciacci, Donati, Gatti, Genovali, Bonazza, Mandolini, Moroni e Sabbatini si riunivano in Via Arsilli, nella bottega per cornici di Mario Angelini.

In realtà, tutta la pratica di Giacomelli è, da un punto di vista sia concettuale sia metodologico, strettamente legata all’idea dell’Informale. Il primo principio condiviso è quello di considerare ogni singolo elemento, ogni fotografia, non come prodotto finito, chiuso da idee di perfezione e compiutezza, ma come parte di un insieme (l’opera di Giacomelli). Questo insieme è in uno stato di flusso continuo, e trae significato, forma e vitalità dall’interrelazione tra i singoli elementi che lo compongono. L’opera di Giacomelli è un’entità complessa; un organismo che si nutre di sé stesso. Giacomelli rielaborava costantemente le sue serie fotografiche per metterle in dialogo: stabiliva associazioni iconografiche (con echi simbolici che riecheggiano negli anni), sovrapponeva nuove fotografie a quelle precedenti, spostava diverse varianti di stampa da una serie all’altra e creava nuove serie usando fotografie scartate in passato. Per poesie (For poems) (anni ’60–’90) è questo archivio di immagini: fotografie che Giacomelli accumulava e archiviava appositamente per questo scopo.

Nel 1978, le fotografie di paesaggio di Giacomelli furono esposte alla Biennale di Venezia. Nel 1980, Arturo Carlo Quintavalle scrisse una monografia su Giacomelli (Mario Giacomelli, Feltrinelli, Milano, 1980) e acquistò numerose sue opere per il centro CSAC di Parma. Giacomelli si lanciò nell’astrazione con la serie Favola, verso possibili significati interiori (A tale, towards possible inner meanings) (1983–84). In questo periodo incontrò il poeta Francesco Permunian, con cui collaborò alla creazione delle serie Il teatro della neve (The theatre of snow) (1984–86) e Ho la testa piena mamma (My head is full, Mamma) (1985–87). Da quel momento in poi, Giacomelli realizzò serie fotografiche ispirate alla poesia: Il canto dei nuovi emigranti (The song of the new emigrants) (Franco Costabile) (1984–85), Felicità raggiunta si cammina (Happiness is reached, walking) (Eugenio Montale) (1986–92), L’infinito (Infinity) (Giacomo Leopardi) (1986–88), Passato (Past) (Vincenzo Cardarelli) (1986–90), A Silvia (Giacomo Leopardi) (1987–88) (una serie iniziata sotto la guida di Crocenzi nel 1964, poi ripresa nel 1988 con un approccio più consapevole al rapporto tra testo poetico e immagine fotografica), Io sono nessuno (I am nobody) (Emily Dickinson) (1992–94), La notte lava la mente (The night washes the mind) (Mario Luzi) (1994–95), Bando (Call) (Sergio Corazzini) (1997–99), La mia vita intera (My whole life) (Jorge Luis Borges) (1998–2000). Modificò anche il titolo di diverse serie: Verrà la morte e avrà i tuoi occhi (Death will come and will have your eyes) (Cesare Pavese) (1954–83), Ninna Nanna (Lullaby) (Leonie Adams) (1985–87), e Io non ho mani che mi accarezzino il volto (There are no hands to caress my face) (Padre David Maria Turoldo).

Tra il 1983 e il 1987, Giacomelli realizzò Il mare dei miei racconti (The sea of my memories), una serie di fotografie aeree della costa adriatica nei pressi di Senigallia. Per tutta la vita, Giacomelli tornò a fotografare il mare e la spiaggia. Fu sulla riva, infatti, che scattò la sua primissima fotografia, L’approdo (The landing place). La pratica di Giacomelli compì così un cerchio completo: la sua ultima serie, La domenica prima (The Sunday before), fu scattata sulla spiaggia. Così anche le fotografie scattate durante le estati degli anni Sessanta, Il mare (The sea) (anni ’60–’90), e tutte quelle realizzate tra gli anni Settanta e Novanta, che Giacomelli utilizzò per comporre Le mie Marche (My Marche) (realizzate a Marina di Montemarciano), Al molo (At the quay) (a Senigallia), Marotta il mare (The sea at Marotta), Il mare di Fano (The sea at Fano), Storie di mare (Stories of the sea) (scattate sulla spiaggia di Senigallia), La Rotonda (The terrace) (realizzate sul lungomare di Senigallia).

Nel 1986, morì la madre di Giacomelli. Questa perdita lo segnò profondamente e rappresentò un punto di svolta nella sua pratica fotografica, che divenne più esplicitamente autobiografica. A quel punto, Giacomelli aveva già raggiunto una fama internazionale e le sue opere venivano raccolte dai più prestigiosi musei. Tuttavia, la sua pratica stava diventando sempre più introspettiva e intima. Esplorava la profondità del suo essere e si fissava sul paesaggio marchigiano come mezzo per ritrovarsi. Le serie Vita del pittore Bastari (1992–93), Autoritratti (Self-portraits) (anni ’80–’90), le poetiche “astrazioni” di Bando (1997–99), 31 Dicembre (31st December) (1997) sono scenari costruiti da Giacomelli. Le fotografie sono come fotogrammi di una pellicola che ripercorre tutta la vita di Giacomelli. In questo periodo, Giacomelli tornò più volte in luoghi specifici delle colline intorno a Senigallia. Le sue fotografie di questi luoghi diventano punti di riferimento che tracciano un percorso intimo nella sua interiorità. Insieme, questi frammenti costituiscono la convinzione di Giacomelli che la fotografia possa dare vita alle esperienze che esistono oltre l’alienazione della vita quotidiana, e introdurci in un regno puramente fantasmagorico dell’essere. È lì che Giacomelli cercava sé stesso. Da questa visione nacque un corpus di fotografie intime e profondamente autobiografiche.

L’Archivio Mario Giacomelli conserva: Bucci, Otello, Cremonini, Polverari, Ferri (Per poesie) (i titoli derivano dai nomi delle case coloniche e delle zone dove allestiva le scene da fotografare). I ricordi di un ragazzo del ‘25 (The memories of a boy from ‘25) (1999) è emerso in questo stesso clima introspettivo, diventando Questo ricordo lo vorrei raccontare (I’d like to tell you about this memory) nel 2000 (il titolo esprime la visione di Giacomelli della fotografia come mezzo per trionfare sulla morte). Così anche Ritorno (Return) (1999/2000) e Così come la morte (Just like death) (1999), una serie ispirata alla poesia di Giorgio Caproni. Negli anni Novanta, il desiderio inquieto di Giacomelli di trovare poesia nella vita, e per la vita, lo spinse a spingersi nello spazio astratto con Territorio del linguaggio (Territory of language) (1994), Astratte (Abstractions) (anni ’90), Polverari e Bando (1997–99).

È interessante tracciare il percorso del viaggio esistenziale di Giacomelli attraverso la sua pratica fotografica. Vita e arte si fondono nella sua visione della fotografia come mezzo per penetrare sotto la pelle della realtà, e come mezzo per riconoscere che è impossibile stabilire una chiara distanza tra il mondo e il soggetto che lo osserva.

Mario Giacomelli morì il 25 novembre 2000, dopo un anno di malattia. Lavorò fino all’ultimo momento alla realizzazione delle serie Questo ricordo lo vorrei raccontare (I’d like to tell you about this memory) (2000) e La domenica prima (The Sunday before) (2000).